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La peinture - Page 3

  • Le "père" du genre paysage en peinture

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    Et Patinir apparut dans le paysage
    LE MONDE | 24.08.07

    © Le Monde.fr

    Joachim Patinir ou Patenier (né vers 1480 à Dinant ou Bouvignes - mort le 5 octobre 1524 à Antwerpen), également connu sous le nom de de Patinier et de Patiner était un peintre et dessinateur de style flamand de la Haute Renaissance. Il fut membre de la guilde des peintres d'Anvers. On pense qu'il était l'oncle de Henri Blès, également peintre. Spécialisé dans les paysages et fortement influencé par Jérôme Bosch, Patinir réalisa des œuvres où se mêlaient des éléments fantastiques, des bois, des contrées imaginaires, des villes et des cours d'eau. Patinir collabora avec Quentin Matsys. On attribue à Patinir certains des paysages présents dans les toiles de ce dernier. À la mort de Patinir, Matsys s'occupa de ses enfants.

    Principales œuvres 

     La Fuite vers l'Égypte, Anvers, Koninklijk Museum voor Schone Kunsten Saint Jérôme dans le désert, 1515, Paris, Musée du Louvre Traversée du monde souterrain, entre 1515 et 1524, Madrid, Musée du Prado Paysage avec Saint Jérôme, Madrid, Musée du Prado Le baptême du Christ, vers 1515, Vienne, Kunsthistorisches Museum

     

    http://fr.wikipedia.org/wiki/Joachim_Patinir

  • Catégories : La peinture

    Le crépuscule des peintres maudits

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    Éric Biétry-Rivierre
    27/10/2009 | Mise à jour : 14:14
    |

    De Munch à Otor Dix, le musée Marmottan expose, à partir de mercredi, les vestiges de la collection expressionniste de Wuppertal.

    «Femmes dans la rue», E. L. Kirchner ((c)Von der Heydt Museum/Wuppertal)

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  • Catégories : La peinture

    La peinture hollandaise en état de grâce

    peinture hollandaise.jpgScène d'Intérieur avec une mère épouillant son enfant (Le devoir d'une mère), de Pieter de Hooch, 1658-1660.(Image Department Rijksmuseum, Amsterdam, 2009 )

    Éric Biétry-Rivierre
    20/10/2009 | Mise à jour : 17:23

    La Pinacothèque de Paris réunit une sélection représentative du fonds du Rijksmuseum d'Amsterdam.

    MULTIMÉDIA - «La Lettre d'amour» de Vermeer décryptée

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  • Mes travaux universitaires de DEA:stage:La représentation des bohémiens aux XVIII e et XIX e siècles.Bibliographie critique (16/20)

    dessin toulouse.jpgJe supprime ce travail ici... d'ailleurs mon directeur de recherche m'avait conseillé de ne pas le divulguer sur le net.

    Il avait raison; je suis  d'ailleurs en train de supprimer de ce blog tous mes travaux universitaires qui sont soit copiés, soit ignorés.

    Comme mon mémoire de maîtrise, ils feront peut-être l'objet d'une publication.

     

    CERTAINS TEXTES ET TABLEAUX EVOQUES DANS CE TRAVAIL SONT CONSULTABLES DANS MA CATEGORIE "La représentation des bohémiens:art et littérature."

    D'AUTRES DOCUMENTS PRESENTS DANS CETTE CATEGORIE SONT LE RESULTAT DE RECHERCHES POSTERIEURES(et même en cours) A MON DEA.

    ELARGISSEMENT DE LA RECHERCHE AUX XXe(cf. Chagall), XVIe,XVII e siècles et pourquoi pas au XXI e siècle.

     

    IL NE S'AGIT PAS D'UN TRAVAIL SUR "Les bohémiens" mais sur "leur représentation" c'est-à-dire sur la façon dont on les percevait (et perçoit encore) et comment cela est restrancrit dans la littérature et la peinture.

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  • Catégories : La peinture

    Envie de lire (vu dans la presse le week-end du 6-7 décembre 2008):Correspondances impressionnistes

    correspondances.jpgDe Bonafoux Pascal
    Editeur : Diane Selliers
    Parution le : 9 Octobre 2008

    Parce qu'il n'y a pas d'art sans regard, les Correspondances impressionnistes proposent d'offrir un jeu de regards croisés entre les artistes et les écrivains qui furent leurs contemporains, détracteurs ou défenseurs, pour mettre au jour cet art de la lumière qu'est l'Impressionnisme.

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  • Catégories : La peinture

    Raoul Dufy. Le Plaisir

    dufy.jpgLe Musée d’Art moderne de la Ville de Paris présente une importante rétrospective de l’oeuvre de Raoul Dufy. Cet artiste, largement représenté dans les collections du musée, notamment par la monumentale « Fée Électricité » (réalisée pour l’Exposition Internationale des Arts et Techniques à Paris en 1937), n’avait pas été montré dans une institution publique parisienne depuis la mort de l’artiste en 1953. Du 17 octobre 2008 au 11 janvier 2009.

    http://www.paris.fr/portail/Culture/Portal.lut?page_id=6450&document_type_id=2&document_id=57656&portlet_id=15515

  • Catégories : La peinture

    Dans me lecture des "Orientalistes. Peintres voyageurs"

    "berninger.jpgAn arab caravan above Tunis " Edmund Berninger(1843-vers 1910)

    http://fr.wrs.yahoo.com/_ylt=A0WTf2l3845Ib0MA8LVuAQx./SIG=12umrg5tr/EXP=1217414391/**http%3A//www.artnet.com/Artists/LotDetailPage.aspx%3Flot_id=06E618D5105D6FB9

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    http://www.paperblog.fr/978791/dans-me-lecture-des-orientalistes-peintres-voyageurs/

  • Catégories : La peinture

    J'ai lu: "Orientalistes. Peintres voyageurs"

    dulac5.jpgThe Rubaiyat of Omar Khayyam (1909)

    http://www.bpib.com/illustrat/dulac.htm

    Edmund Dulac, né Edmond Dulac, est un illustrateur français, naturalisé britannique. Il est connu pour avoir conçu des timbres-poste et illustré des livres de contes. Il est né le 22 octobre 1882 à Toulouse et est mort en 1953. Il avait émigré en 1904 au Royaume-Uni et pris la nationalité britannique.

    Il a étudié à l'École des Beaux-Arts de Toulouse où il reçoit plusieurs prix pour ses œuvres, et en même temps les deux premières années le droit. Alors qu'il a obtenu une bourse pour étudier à Paris, il part s'installer en 1904 à Londres. Là, il est embauché par Arthur Rackham pour illustrer les livres que cet imprimeur édite. Le succès est rapide et dure une grande partie de sa vie. Parmi les plus célèbres de ces livres illustrés : La Petite Sirène, Les Mille et une nuits.

    En 1937, le roi George VI et le Post Office choississent une effigie du roi dessinée et sculptée en bas-relief par Dulac pour les timbres d'usage courant britannique[1]. Décrivant le dessin, son biographe, Colin White, écrit que « Dulac a donné au roi les traits classiques d'un jeune héros grec ! »[2]

    Pendant la Seconde Guerre mondiale, fin 1940, Dulac est présenté au général de Gaulle à Londres. Il réalise alors les timbres des colonies ralliées à la France libre. Par la suite, de Gaulle lui demande de concevoir un timbre destiné à servir quand la France serait libérée : la Marianne de Dulac, dite aussi « de Londres », dont Dulac présente un projet à de Gaulle en 1942 et dont l’impression est confiée à l’imprimeur londonien De La Rue en 1943.

    http://fr.wikipedia.org/wiki/Edmond_Dulac

  • Catégories : La peinture

    Dans ma lecture du "Sang des poètes" de Martha Grimmes

    Jury, le policier-poète évoque:

    Dante Gabriel Rossetti (12 mai 1828 à Londres - 18 avril 1882 à Birchington-on-Sea, Kent) est un peintre, poète et écrivain britannique, frère de la poétesse Christina Rossetti.

    Sommaire

    Biographie

    Fils d'un poète italien émigré à Londres, Rossetti montre très tôt un grand intérêt pour la littérature et l'art médiéval italiens. Aspirant à devenir poète, comme la plupart des membres de sa famille, il devient finalement l'élève du peintre Ford Madox Brown avec qui il tisse des liens d'amitié étroits qu'il entretint toute sa vie.

    Il rencontre William Holman Hunt qui vient de peindre La Veille de la Sainte-Agnès, illustrant un poème de John Keats. Rossetti est lui-même l'auteur d'un poème intitulé La Demoiselle élue, écrit dans le style de Keats. Aussi, pense-t-il que Hunt et lui partagent les mêmes valeurs artistiques et littéraires et qu'ils pourraient devenir amis. En effet, ils développent ensemble les principes de la Confrérie Préraphaélite qu'ils fondent, avec d'autres artistes, en 1848.

    Parallèlement à son activité picturale, Rossetti traduit et publie des poèmes de Dante et d'autres auteurs italiens du Moyen Âge, toujours passionné par cette époque.

    Son romantisme et son refus du monde qui l'entoure précipitent sa séparation d'avec le mouvement préraphaélite, bien qu'il en fût l'artiste le plus important. Puis, une succession d'événements vont le plonger dans une profonde dépression. En 1862, son épouse, Elizabeth Siddal, meurt d'une overdose de laudanum, après avoir donné naissance à un enfant mort-né. Dans le même temps, n'arrivant pas à faire publier ses propres poèmes, il les enterre dans la tombe de son épouse au cimetière de Highgate. Mais c'est aussi pendant cette période qu'il peint ses plus belles toiles, notamment Beata Beatrix, dans laquelle il idéalise, sous les traits de son épouse décédée, la Béatrice de Dante. Il s'essaie également à l'aquarelle, multipliant les portraits de femmes, notamment Fanny Cornforth, une prostituée dont il est tombé amoureux, mais aussi l'épouse de William Morris, avec qui il a une liaison.

    En 1871, il décide de déterrer ses poèmes et les fait enfin publier. Ils font aussitôt scandale par leur érotisme et leur sensualité qui choquent le Royaume-Uni victorien.

    Délaissant peu à peu l'idéal féminin, il emprunte aux légendes arthuriennes et à l'œuvre de Dante les sujets de ses dernières toiles.

    Les dernières années de sa vie sont sombres : ses passions de la littérature et de la peinture l'ont quitté, il devient sénile et se retire à Birchington-on-Sea où il vit, totalement reclus, souffrant d'un délire de persécution. Il s'éteint, seul, en 1882.

    Malgré la fulgurance de sa carrière, Rossetti a eu une influence considérable sur le développement du mouvement symboliste en Europe.

    Galerie


     

    Voir aussi

    commons:Accueil

    Wikimedia Commons propose des documents multimédia libres sur Dante Gabriel Rossetti.

    Bibliographie

    Lien externe

    446px-Beata_Beatrice.jpg

     

    Beata Beatrice

    1863

    http://fr.wikipedia.org/wiki/Dante_Gabriel_Rossetti

  • Catégories : La peinture

    Dans ma lecture du "Dormeur éveillé" de Pontalis

    le songe de constantin.jpg"Le songe de Constantin" de Piero della Francesca (1410 ou 1420-1492)

    Source textuelle :
    J. de Voragine, La Légende dorée, L’Invention de la Sainte Croix   GF I 344

    Lieu de conservation :
    Arezzo, Église San Francesco, grande chapelle des Bacci

    http://www.univ-montp3.fr/pictura/GenerateurNotice.php?numnotice=A0684

    Pour en savoir plus:

    http://fr.wikipedia.org/wiki/L%C3%A9gende_de_la_Vraie_Croix_(Piero_della_Francesca)

  • Catégories : La peinture

    Dans ma lecture du "Sang des innocents" de Martha Grimmes

    Jury, le policier-poète évoque:

    John Everett Millais(1829-1896)

     
    MillaisOphelia.jpg
     
     

    Peintre anglais, né à Southampton en 1829, mort en 1896 à Londres. Un des fondateurs du préraphaélisme. Issu d'une famille originaire de Jersey il y vécut jusqu'à neuf ans, date à laquelle il entra à l'école de dessin de Sass.

    En 1840, il est accepté à la Royal Academy où il reste six ans. Enfant prodige, il est si précoce que Ruskin rapporte qu'à sept ans son dessin était aussi précis que celui d'un adulte.

    Il rencontre Rossetti et Hunt et fonde, avec ses deux amis, The PreRaphaelite Brotherhood. Sa première oeuvre préraphaélite, Isabella, illustre un passage du poème de Keats Isabella et le pot de basilic. Exposée en 1849 à la Royal Academy, cette toile ne remporte pas le succès escompté, certains critiques étant déroutés par le côté réaliste presque photographique des figures idéalisées. Millais se tiendra à ce style jusque vers 1855, date de son mariage.

    Pour plaire au public il change de manière et réalise un nombre impressionnant de portraits et de sujets populaires. Elevé au rang de baronnet, président de la Royal Academy, à l'apogée de son succès il a des revenus de l'ordre de trente mille livres sterling par an (environ 600000 francs or). Ces tableaux ont eu raison des rêveries préraphaélites, ainsi qu'en témoigne la comparaison entre les deux versions de la Demoiselle d'honneur, l'une de 1851 peinte comme un songe, l'autre de 1897 qui est un portrait conventionnel de sa fille Marie.

    En 1866, une grande exposition réunit cent cinquante neuf toiles de Millais à la Grosvenor Gallery. William Hunt note alors que Millais a confié à ses amis : "je ne suis pas honteux d'avouer que ma maturité n'a pas satisfait les espérances et ambitions de ma jeunesse."

    Le préraphaélisme ne fut pour lui qu'une période de transition qui lui permit d'expérimenter des techniques nouvelles qui renouvelaient le style académique. Il sut alors faire preuve de sensibilité et d'imagination avec un sens remarquable de la mise en page et des dons d'exécution extraordinaires.

    "Ophelia" Présenté par Sir Henry Tate 1894
    1851/52
    Huile sur toile 76,2 x 111,8 cm
    Tate Gallery
     

    Le tableau représente la tragique héroïne de Shakespeare, le suicide d'Ophélie décrit par la reine Gertrude dans Hamlet. L'image est saisissante de vérité, le saule qui traverse le ruisseau semble se pencher sur le visage dont l'expression oscille entre l'inconscience et la mort. Millais fit poser son modèle Elisabeth Siddal, dans une baignoire remplie d'eau tiède dans son atelier, Le décor fut peint au bord d'une rivière du Surrey, pendant des mois. La végétation est reproduite avec une exactitude surprenante, certaines plantes et fleurs ont une signification symbolique.

     

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  • Catégories : La peinture

    Je viens de commencer:"Les orientalistes. Peintres voyageurs." de Lynne Thornton

     

    orientalistes.jpgAvec le développement des transports, les peintres du XIXe siècle succombèrent aux mirages de l'Orient. Ils en ont rapporté des images inondées de soleil, chargées de couleurs et de richesses.

    L'auteur, expert spécialisé, a étudié près de cent cinquante peintres, de Delacroix à Ziem, parmi lesquels figurent nombre de petits maîtres peu connus. ' Les Orientalistes, peintres voyageurs ' constitue une référence essentielle pour les collectionneurs, en même temps qu'une merveilleuse invitation au voyage.


    192 pages
    125 x 190 mm
    156 reproductions
    ISBN 2-86770-060-4
    18 Euros

    http://www.acr-edition.com/LES-ORIENTALISTES,-PEINTRES-VOYAGEURS_a695.html

    PAGE 6:"Les voyageurs,tout comme les casaniers,utilisaient souvent sans hésitation des sources littéraires pour leur inspiration,en général oeuvres de fiction, tels les poèmes turcs de Lord Byron,le roman indien de Thomas Moore "Lala Rookh", le "Salammbô" de Gustave Flaubert, "Le roman de la momie" de Théophile Gautier et "Les orientales" de Victor Hugo. Il y avait aussi les récits que faisaient de leurs voyages écrivains et poètes influents, comme François-René de Chateaubriand,Alexandre Dumas père, Gérard de Nerval, Alphonse de Lamartine et Théophile Gautier."

  • Catégories : La peinture

    Diaporama des paysages de Monet

    http://fr.mc266.mail.yahoo.com/mc/showMessage?fid=Inbox&sort=date&order=down&startMid=0&.rand=1683613548&midIndex=0&eps=&f=1&nextMid=1_26638_ADewktkAAVjASGeUHwliBDEP0v0&m=1_36546_ADewktkAAITsSGfKzADVVXb0IB0,1_26638_ADewktkAAVjASGeUHwliBDEP0v0,1_159_ADmwktkAAGMOSGS5DweEXjqjLWw,1_1107_ADOwktkAACb7SGLIcQqSgj0FCPw,&mid=1_36546_ADewktkAAITsSGfKzADVVXb0IB0&fn=monet.pps&pid=2&vs=1&ypa=1

  • Catégories : La peinture

    L'art 1920-1940 ciselé par un œil neuchâtelois

    9630_2.jpg

    NEOCLASSIQUE. Le Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel rend hommage à Théophile Robert en soulignant sa dimension européenne.

    Philippe Mathonnet
    Mardi 17 juin 2008


    Des peintres du nom de Robert, de la même famille... En veux-tu? En voilà! C'est une dynastie que le pays neuchâtelois a vu éclore. Il y eut d'abord Léopold Robert (1794-1835), dont La Chaux-de-Fonds s'honore d'une célèbre avenue à son nom. Léopold a surtout peint, entre classicisme et romantisme, des groupes populaires italiens. Alors que son frère Aurèle (1805-1871), ayant suivi son aîné en Italie, s'intéressa plutôt à dépeindre les monuments. Quant au fils d'Aurèle, Léo-Paul (1851-1923), il a notamment décoré - bon sang ne saurait mentir - la monumentale cage d'escalier du Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel de trois grandes compositions symbolistes.
    Mais c'est aujourd'hui à un fils de Léo-Paul que l'institution neuchâteloise rend hommage: Théophile Robert (1879-1954). La fratrie comptait dix enfants et deux autres frères devinrent également peintres, Philippe et Paul-André. Après une précédente rétrospective en 1979, cette présentation a l'avantage de rappeler le type d'art qui prévalait dans l'entre-deux-guerres. Et en adjoignant au nom de Théophile Robert le qualificatif de «Peintre européen», le titre souligne le rôle joué par l'artiste neuchâtelois dans le renouveau de la tradition classique dans ces années 1920-1940. Tant en France qu'en Belgique et en Allemagne, ainsi qu'au Japon. Même s'il revint définitivement en Suisse en 1930 après s'être formé et affirmé à Berlin et à Paris.

    Pour synthétiser son style et son attrait pour le thème des baigneuses, l'évocation des corps lourds, ventres et seins arrondis, coiffures à la garçonne, des figures de Tamara de Lempicka - autre célébrité de la tendance Art déco - donne une indication. Sauf que chez Théophile Robert, la volupté se tempère d'austérité. Ses autoportraits, sa mise stricte, soulignent un œil sévère en quête du bon dosage. «L'artiste est celui qui a reçu le don de l'harmonie, qui a le pouvoir de créer des formes harmonieuses», a-t-il écrit.

    Nombre de ses dessins, présentés en vitrine, signalent une attention méticuleuse à l'équilibre des tracés. Et ses premières natures mortes montrent une inclination très cézanienne pour la simplification, que le spectateur peut admirer jusque dans des paysages bien ultérieurs. Les premiers donnent, du reste par une préoccupation similaire, dans une rythmique très hodlérienne (Les Trois Arbres, 1908). Cette préoccupation de la mesure est confirmée par la gamme des coloris, dominée par les tonalités de terre. Propension renforcée, lorsque Théophile Robert rejoint à Paris, fin 1918, Charles-Edouard Jeanneret (le futur Le Corbusier) et Amédée Ozenfant. Initiateurs du Purisme, ils prônent des schémas régulateurs et des colorations très contrôlées, donc souvent tempérées. Et cette rigueur va se répercuter jusque dans les célébrations christiques et célestes des œuvres religieuses de la seconde partie de la carrière. Où la ferveur se lit dans le dépouillement aussi bien que dans les traits de blanc qui martèlent certains chemins de croix.

    Ce volet art sacré, qui a fait l'objet d'un mémoire de licence de Silvia Amstutz-Peduto, n'est évoqué qu'à travers un film faisant le tour des principales églises décorées par Théophile Robert. Sinon, ce sont avant tout les œuvres de chevalet qui ont été mises en évidence. A travers la publication d'une monographie dirigée par Corinne Charles. Et à travers l'accrochage du conservateur des arts plastiques du Musée d'art et d'histoire, Walter Tschopp. Plutôt qu'un déroulé chronologique, celui-ci a préféré présenter des ensembles thématiques. Grandes compositions qui font d'emblée admirer une palette retenue et une capacité à faire entrer en résonance groupe d'humains et paysage. Nus et baigneuses, comme manière de sculpter par la peinture. Paysages, qui évoluent de l'Art nouveau vers les tentations cubistes. Portraits, où l'on sent fortement l'influence d'Ingres et de sa «ligne claire»; sorte d'indicateur du retour au classicisme dans l'art européen. Natures mortes, presque plus enlevées que les autres genres. Libres de flirter tantôt avec le cubisme tantôt avec la Nouvelle Objectivité, plus ensoleillées aussi dans leurs tonalités. Puis, avant de terminer par la mention de la participation de Théophile Robert à l'art religieux de son temps, coup de projecteur sur la genèse d'un tableau tiré de l'Ancien Testament, la Grande Bethsabée (1920).

    Théophile Robert - Peintre européen. Musée d'art et d'histoire de Neuchâtel (espl. Léopold-Robert 1, tél. 032/717 79 25, http://www.mahn.ch). Ma-di 11-18h. Jusqu'au 28 septembre.





    © Le Temps, 2008 . Droits de reproduction et de diffusion réservés.
     
    http://www.letemps.ch/template/culture.asp?page=10&contenuPage=&article=234252&quickbar=

  • Catégories : La peinture

    Diaporama avec de jolies aquarelles

    http://fr.mc266.mail.yahoo.com/mc/showMessage?fid=Inbox&sort=date&order=down&startMid=0&.rand=1683613548&midIndex=0&eps=&f=1&nextMid=1_26638_ADewktkAAVjASGeUHwliBDEP0v0&m=1_36546_ADewktkAAITsSGfKzADVVXb0IB0,1_26638_ADewktkAAVjASGeUHwliBDEP0v0,1_159_ADmwktkAAGMOSGS5DweEXjqjLWw,1_1107_ADOwktkAACb7SGLIcQqSgj0FCPw,&mid=1_36546_ADewktkAAITsSGfKzADVVXb0IB0&fn=sableetpierrekat.pps&pid=3&vs=1&ypa=1

  • Catégories : La peinture

    Claude Joseph Vernet(que Nerval évoque dans le "Voyage en Orient")

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    Claude Joseph Vernet, né à Avignon le 14 août 1714 et mort à Paris le 3 décembre 1789, est un peintre, dessinateur et graveur français.
    Sommaire


    * 1 Biographie
    * 2 Œuvres
    * 3 Sa cote
    * 4 Bibliographie
    * 5 Peintres de marines inspirés par Vernet
    * 6 Galerie d'images


    Il est formé dans le Sud de la France. On lui donne comme maître Adrien Manglard. En 1734, Vernet part pour Rome pour y étudier le travail des précédents paysagistes et peintres de la marine comme Claude Gellée, dont on retrouve le style et les sujets dans les tableaux postérieurs de Vernet. Il admire également Poussin. Il crée cependant, à force de travail, son propre style.

    Il représente en général la nature en accordant beaucoup de place au ciel (les deux tiers du tableau) et les personnages et scènes de la vie quotidienne qui animent les lieux.

    En 1753, Le Marquis de Marigny, futur directeur des Bâtiments de Louis XV, lui commande 24 tableaux de Ports de France pour informer de la vie dans les ports, mais seuls quatorze tableaux seront réalisés de 1753 à 1762. Ces peintures sont de véritables témoignages de la vie dans les ports il y a 250 ans et font de lui un des plus grands peintres de la marine. Ils lui vaudront une reconnaissance de son vivant de la plupart des nobles les plus attachés à la marine, comme le comte Jean-Joseph de Laborde.

    Notons encore que son fils, Carle Vernet et son petit-fils Horace Vernet, seront également peintres.

    Œuvres

    * À Avignon la Fondation Calvet présente au Musée Calvet plusieurs de ses œuvres.
    * À Paris, le musée de la Marine présente, déposés par le musée du Louvre en 1943, treize tableaux de la série des 15 ports de France. Le Musée du Louvre expose de cette série L'entrée du port de Marseille et La ville et la rade de Toulon.

    Sa cote

    * En 1999, une paire Le Soir et Au clair de lune a été vendue pour l'équivalent de 1,98 million d'euros.
    * En 2003, une paire de tableaux : Un Calme et une Tempête (huiles sur toile, 114 x 163 cm, signées et datées de 1773, lot n° 65), ont été vendues chez Sotheby's à Londres le 10 juillet, pour 2 357 600 £
    * En 2007, le tableau Un port méditerranéen (huile sur toile, 64,9 x 80,8 cm, signée, lot 64), a été vendu à Londres chez Sotheby's le 4 juillet, pour 1 028 000 £.

    Bibliographie

    * Léon Lagrange, Joseph Vernet et la peinture au XVIIIe siècle, Paris, 1864 (deuxième édition). Les documents et pièces justificatives publiés sont des références essentielles.
    * Florence Ingersoll-Smouse, Joseph Vernet, Peintre de marine, Étude critique et catalogue raisonné..., Paris, 1926, deux volumes. Ouvrage ancien, mais indispensable.

    Peintres de marines inspirés par Vernet

    * Charles-François Grenier de Lacroix dit Lacroix de Marseille.
    * Jean Henry dit Henry d'Arles.
    * Alexandre Jean Noël

    Galerie d'images

    Vue de Naples avec le Vésuve (vers 1748).


    Source:WIKIPEDIA

  • Catégories : La peinture

    Je suis en train de lire:"Ruisdael,ciel ouvert" par JP.Domecq

    747494680.jpg

    Moulin à vent près de Duurstede

    Jacob Izaaksoon van Ruysdael (ou Ruisdaal) (c. 1628 - 14 mars 1682), le plus célèbre des paysagistes hollandais, est né à Haarlem.

    La première date qui apparaît sur ses tableaux est 1645.

    Source:Wikipedia

    Nerval en parle;Fromentin l'évoque dans "Les maîtres d'autrefois".... et je dois l'évoquer dans mon mémoire en vente ci-dessus.

  • Au Palais des Beaux-Arts de Lille en mars 2008

    J'ai vu des paysages de Patinir que j'avais dèjà évoqué:http://www.lauravanel-coytte.com/tag/Patinir

    282164545.2.jpgLa Fuite en Egypte, par Joachim Patinier (musée d'Anvers).

    Patinier ou Patinir, Patenier, de Patenier (Joachim). - Peintre flamand, né à Dinant vers ou, probablement, avant 1490, mort le 5 octobre 1524. Il entra à la gilde d'Anvers en 1545; en 1520, il acheta une maison à Anvers. En 1521, Albert Dürer, pendant un voyage aux Pays-Bas, assista à ses secondes noces et fit de lui un portrait qui doit être le beau dessin, daté de 1521, du musée de Weimar. Sa seconde femme est mentionnée comme veuve dans un acte du 15 octobre 1524. 

    Son nom signifie «-fabricant de patins-». Il est considéré comme le créateur du paysage, parce qu'il est le premier peintre qui ait parfois donné moins d'importance aux personnages qu'au morceau de nature qui les environnait. Mais les grands Primitifs flamands, tout comme Léonard de Vinci, le Pérugin et beaucoup d'autres, ont traité la nature plus largement et plus fidèlement que lui dans les fonds de leurs compositions.

    D'après Carel Van Mander, « il avait une façon particulière de traiter le paysage avec beaucoup de soin et de finesse; ses arbres étaient comme pointillés. II y introduisait de jolies petites figures, en sorte que ses couvres étaient recherchées, se vendaient bien et qu'elles se sont répandues en divers pays». 

    Albert Dürer l'admirait comme un « bon paysagiste ». Ces appréciations permettent de douter que les figures relativement grandes qu'on voit dans certains de ses paysages soient bien de lui. Il est certain que « Josse Van Cleef peignit une très belle Vierge derrière laquelle Patinier mit un joli fond de paysage »; c'est Van Mander qui l'affirme. Quoi qu'il en soit, le Baptême du Christ, du Belvédère de Vienne, est une oeuvre de premier ordre par ses nombreuses figures plus encore que par le paysage; dans la Vierge des douleurs (n° 48) du musée de Bruxelles, la figure de la mère manque d'ampleur dans le dessin, mais le corps du Christ mort qui repose sur ses genoux est d'une belle réalité sinistre; et dans le Repos en Egypte (n° 47 A) du même musée, le groupe de la mère qui donne le sein à l'enfant est digne du Corrège

    L'historien de l'art Hymans, à la fin du XIXe siècle, identifiait seulement cinq tableaux signés du nom de Patinier ou de son monogramme J. P. Ils se trouvent dans les musées d'Anvers, Lille, Vienne, Karlsruhe et Madrid. Ceux de Londres, Madrid, Haarlem, Bruxelles, etc., possèdent de nombreux tableaux dont les uns peuvent lui être attribués avec vraisemblance, tandis que d'autres se reconnaissent à une très petite figure, remplissant une fonction très prosaïque, qu'il cachait dans un recoin du paysage. Au total 25 oeuvres lui sont aujourd'hui attribuées avec un degré de certitude raisonnable. Il reste certain que l'ensemble de l'oeuvre qui porte son nom est d'un grande importance au point de vue de l'art. (E. D.-G.).

    http://www.cosmovisions.com/Patinier.htm

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    Suite de ma note du 25/03/2008-1

    288526933.jpgVu au département des peintures, dans la salle 1. Portraits et manièristes du nord.

    Le Dénombrement de Bethléem (1566) de Bruegel le jeune(d'après Bruegel le vieux):

    Hormis les lueurs du feu de cheminée, il y avait peu d'éclairage dans les maisons. La vie des enfants et des adultes se déroulait donc à l'extérieur et ce, même quand il faisait froid. Devant à gauche, on égorge un porc, une activité traditionnelle en ce début de l'hiver. Au fond, on sert de l'alcool au pied d'un arbre faisant office de débits de boissons, les brasiers allumés près du mur servent à réchauffer les humains et à faire griller les céréales (voir détails).
    J'ai bien sûr admiré le paysage:d'hiver qui aura beaucoup de succés et inauguera le genre du"paysage hollandais."
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    Le retour à la lumière d'un Van Gogh

    1912565547.jpgDe notre envoyée spéciale à Londres Valérie Duponchelle
    27/02/2008 | Mise à jour : 22:10 |
    L'Enfant à l'orange, estimé à plus de 30 millions de dollars, sera sans doute le tableau le plus cher de la foire de Maastricht. Crédits photo : akg-images

    Depuis quatre-vingt-dix ans, un petit portrait joyeux, peint par Van Gogh à Auvers-sur-Oise à un mois de sa mort, vivait à l'abri d'une collection suisse. Il sortira de sa réserve le 7 mars, à Maastricht.

    Ce drôle de petit tableau, frais et rose comme une bonne intention, était accroché juste à côté du cercueil de Van Gogh, dans la pièce funéraire improvisée à l'auberge Ravoux d'Auvers-sur-Oise, deux jours après son suicide par balle, en pleine poitrine, le 29 juillet 1890. À peine un mois avant le drame qui plongea le village dans le deuil, fin juin, comme en témoigne le pré en fleurs en arrière-plan, Vincent, 37 ans, peintre du tourment humain et du soleil divin, avait concentré sa joie de vivre dans ce petit format (50 × 51 cm), testament non prémonitoire. Traitant la robe bleue de l'enfant par de vifs traits de pinceau, comme un petit ciel captif et un condensé de bonheur.

    Coup de théâtre ! Connu des musées, où il fut montré de Detroit à Madrid, mais officiellement inconnu du marché de l'art, qui le voit sortir de quatre-vingt-dix ans de réserve en Suisse, L'Enfant à l'orange sera l'une des attractions de la prochaine foire de Maastricht, qui s'ouvre le 7 mars au public. Le secret était bien gardé aux Pays-Bas, où, il y a quinze jours encore, on jurait ne «rien savoir à propos du retour d'un Van Gogh au pays».

    Le vernissage de la 21e Tefaf (The European Fine Art Fair) de Maastricht approchant, sous la pression des affaires de l'année à conclure en dix jours de foire très compétitive, les langues se délient de l'autre côté de la Manche.

    C'est Dickinson, enseigne notable de Jermyn Street à Londres, qui a sorti ce portrait tendre de la fameuse collection d'Arthur et Hedy Hahnloser à Winterthur (Fondation Villa Flora). «Nous sommes fiers de proposer à Maastricht ce Van Gogh de grande provenance, petit tableau, mais plein de lumière, en état remarquable, resté quatre-vingt-dix ans dans la même collection historique. Un exploit », confirmait, hier matin depuis Hongkong, James Roundell, figure totémique de la galerie Dickinson, identifiable dans toute salle de ventes aux enchères, de Londres à New York, grâce à ses presque deux mètres de haut.

    Cet Enfant à l'orange, blond comme une fille, mais sans doute fils d'un modeste menuisier d'Auvers-sur-Oise, tenant peut-être plutôt une balle orange qu'un fruit, est estimé à plus de 30 millions de dollars, a priori le tableau le plus cher de la foire.

    Retour à cet été 1890 qui s'annonçait si prolifique dans la carrière de Van Gogh. Après la solitude, le soleil intense et les blés drus de Saint-Rémy-de-Provence (mai 1889-mai 1890), le peintre à l'oreille coupée depuis son accès de folie du 24 décembre 1888 était remonté au Nord, près de Paris et de son cher frère Théo. Le Dr Gachet, médecin homéopathe, lui avait été recommandé par Pissaro et jouissait de la réputation d'un amateur d'art, ayant déjà traité plusieurs artistes.

    Là, installé pour 3,50 francs par jour sous les combles de l'auberge d'Arthur-Gustave Ravoux, place de la Mairie (aujourd'hui un restaurant), le Vincent dépressif cher à Maurice Pialat œuvra comme un forcené. Près de 80 œuvres peintes dans ses 70 derniers jours passés à Auvers ! Dont des chefs-d'œuvre, comme L'Église d'Auvers ou Le Portrait du Dr Gachet qui atteignit le prix record de 82,5 millions de dollars, chez Christie's le 15 mai 1990.

    «Je m'attendais à voir un malade, mais c'était un homme costaud aux larges épaules, avec une bonne mine, le sourire au visage, et un air très résolu», raconta par la suite Jo, l'épouse de Théo Van Gogh. En partance pour sa dernière demeure, Vincent avait été heureux de découvrir à Paris son neveu et filleul, un bébé nommé, lui aussi, Vincent.

    Les historiens de l'art puisent dans cet amour filial, émerveillé et inhabituellement serein, l'inspiration des portraits d'enfants peints à Auvers-sur-Oise. Dont cet Enfant à l'Orange. Qui aurait pu dire l'avenir, même si son petit air chiffon peut être lu comme une faille ? «Je profite de chaque jour, le temps est si beau. Et je vais bien. Je me couche à 9 heures, mais je me lève le plus souvent à 5… Et j'espère que ce sentiment d'être plus maître de mon pinceau qu'avant d'aller à Arles va durer», écrit Vincent à Théo, dans l'une des plus belles correspondances qui soient.

    Le 5 juin, Vincent écrit à sa sœur Wilhelmina ce qui est resté comme son «manifeste d'Auvers» : «Ce qui me passionne le plus, bien plus que le reste de mon métier, c'est le portrait, le portrait moderne. Je le vois en couleur. (…) Je voudrais peindre des portraits qui apparaîtraient, un siècle plus tard à ceux qui vivraient alors, comme des apparitions.»

    Longtemps tenu pour le portrait d'une fillette dans les inventaires, L'Enfant à l'orange a été identifié par Adeline Ravoux, fille de l'aubergiste qui raconta, en 1957, les derniers jours d'un grand peintre, comme Raoul, 3 ans, fils du menuisier du village, Vincent Levert. Il fut probablement l'auteur du cadre en bois dans lequel le tableau est resté, comme du cercueil du peintre au pied duquel on posa palette et pinceaux.

    Après la mort de Vincent, Théo le décrocha des murs comme L'Église d'Auvers et les merveilleux Iris mouvant comme les serpents de la Méduse. Tous les tableaux furent rapatriés dans son appartement parisien. Six mois plus tard, Théo mourait à son tour, laissant Jo maîtresse d'un héritage historique et d'âpres débats sur les provenances. Le tableau fut proposé en décembre 1890 pour 500 francs à Octave Maus, puis exposé à Bossum (Hollande) au printemps 1891 avec 550 autres Van Gogh et encore en 1905 à la rétrospective du Stedelijk Museum d'Amsterdam.

    Les Suisses Arthur et Hedy Hahnloser l'achetèrent en 1916 et le tableau resta à Winterthur depuis. Si les grands pros du marché font un peu la moue devant un bébé, sujet toujours difficile à vendre, et devant une estimation jugée trop optimiste, personne, pour une fois, ne conteste la magistrale signature.

    http://www.lefigaro.fr/actualites/2008/02/28/01001-20080228ARTFIG00017-le-retour-a-la-lumiered-un-van-gogh-.php